Alta Terra di Lavoro

già Terra Laboris,già Liburia, già Leboria

CANTO DEI SANFEDISTI 1800

Posted by on Ago 25, 2019

CANTO DEI SANFEDISTI 1800

A lu suono de grancascia
viva lu popolo bascio
a lu suono de tammurielli
so’ risorte li puverielli;
a lu suono de le campane
viva viva li populane
a lu suono de viuline
morte alli Giacubbine!
Sona sona
sona Carmagnola
e sona li cunsiglia
viva ‘o Rre colla famiglia.
Sona sona
sona Carmagnola
e sona li cunsiglia (1)
viva ‘o Rre colla famiglia.

A Sant’Erme tanta forte (2)
l’hanno fatto comm’a ricotta
a stu cornuto sbrevugnato (3)
l’hanno rnisaa mitria ‘n capa.
Maistà, chi t’ha traduto?
Chstu stommaco chi ha avuto?
E signure a cavaliere
te vulevene priggiuniere!
Sona sona
sona Carmagnola
e sona li cunsiglia
viva ‘o Rre colla famiglia.
Sona sona
sona Carmagnola
e sona li cunsiglia
viva ‘o Rre colla famiglia.

Alli tridece de giugno (4)
Sant’Antonio gluriuse
a signure sti birbante
je facette o mazza tante!
So’ arrivate li francise,
aute tasse n’ci hanno mise
“libertà, egalité”
tu arruobbe a mmè
ie arruobbe a ttè!
Sona sona
sona Carmagnola
e sona li cunsiglia
viva ‘o Rre colla famiglia.
Sona sona
sona Carmagnola
e sona li cunsiglia
viva ‘o Rre colla famiglia.

Li francise so’arrivate,
ci hanne bbuono carusate,
e “voilà” e “voila”;
calce ‘n culo alla libertà!
Addò è ghiunta donn’Eleonora, (5)
c’abballava ‘n copp’o tiatro?
Mo abballa miezz’o mercato (6)
n’zieme cu Mastu Donato!
Sona sona
sona Carmagnola
e sona li cunsiglia
viva ‘o Rre colla famiglia.
Sona sona
sona Carmagnola
e sona li cunsiglia
viva ‘o Rre colla famiglia.

A lu ponte a Maddalena (7)
‘Onna Luisa è asciutta prena, (8)
e tre miedece cha hanno?
Nun la ponno fà sgravà!
A lu muolo senza guerra (9)
se tiraje l’albere ‘n terra,
afferraine e giacubbine
‘c facettere na mappina!
Sona sona
sona Carmagnola
e sona li cunsiglia
viva ‘o Rre colla famiglia.
Sona sona
sona Carmagnola
e sona li cunsiglia
viva ‘o Rre colla famiglia.

Addò è gghiuta donn’Eleonora
c’abballava ‘n copp’o tiatro?
Mo abballa ch’e vruccole e rape
n’ha potute abballà chiù!
E’ fernuta l’eguaglianza
è fernuta la libbertà,
pe’ vuie so’ delure e panza!
Signò, iateve a cucchà!
Sona sona
sona Carmagnola
e sona li cunsiglia
viva ‘o Rre colla famiglia.
Sona sona
sona Carmagnola
e sona li cunsiglia
viva ‘o Rre colla famiglia.

Passaie lu mese chiuvuso (10)
lu ventuso e l’addiruso,
a lu mese che se mete
hanno avute l’aglio arrete!
Viva Tata Maccarone (11)
ca respetta la Religgione,
Giaccubine iate a mare,
ca v’abbrucia lu panare!
Sona sona
sona Carmagnola
e sona li cunsiglia
viva ‘o Rre colla famiglia.
Sona sona
sona Carmagnola
e sona li cunsiglia
viva ‘o Rre colla famiglia.

Note

Con il brano “Canto dei Sanfedisti”, Roberto De Simone ha raggruppato le strofette che l’Armata Cristiana e Reale della Santa Fede (Sanfedisti) cantava nella sua marcia verso Napoli, ove dai lazzari si aggiunsero nuove strofette. La prima di esse (cioè “A lu suono de la grancasce”) fu fatta in Lucania, a Palazzo San Gervasio. E’ citata anche da Benedetto Croce in Canti politici del popolo napoletano.

I Sanfedisti era un movimento antigiacobino e antinapoleonico che nel 1799 ha combattuto contro la nascita della Repubblica Partenopea e per il ritorno dei Borboni. Il movimento ha coinvolto soprattutto i contadini e il popolo più poveri e, dato che combattevano per il Re e per la Fede, sono stati chiamati “Bande della Santa Fede”.

Note:

(1) In realtà la frase esatta, forse, dovrebbe essere “so’ de li cunsiglia” (sono dei Consigli)

(2) Sant’Elmo, il forte più munito di cui si erano impadroniti i giacobini. Una palla di cannone sanfedista colpi il forte e spezzò la bandiera francese inalberata

(3) Il riferimento è all’atteggiamento ambiguo tenuto dall’arcivescovo di Napoli, Zurlo, nei confronti degli occupanti francesi

(4) I sanfedisti entrarono in Napoli proprio il 13′ giugno, festa del loro Protettore Sant’Antonio da Padova, elevato al rango di Generalissimo dell’Armate napoletana, al posto di San Gennaro, ritenuto dai lazzari un “traditore” per aver fatto il miracolo (falso) sotto il dominio dello Championnet.

(5) Eleoenora Fonseca Pimentel, marchesa, giacobina fanatica e giornalista.

(6) Piazza del Mercato, il posto ove la Fonseca fu giustiziata dal boia “Mastro Donato”.

(7) I giacobini venivano portati al Ponte della Maddalena dove, quelli che i lazzari non avevano fatto fuori, venivano portati in carcere.

(8) Si tratta di Luisa Sanfelice, giustiziata perché responsabile della fucilazione dei realisti fratelli Baccher, ad opera dei giacobini.

(9) Al Molo piccolo, come al Mercato, era stato piantato l’Albero della Libertà, che fu sostituito dappertutto dalle croci piantate dai sanfedisti.

(10) Sono i mesi del Calendario repubblicano, scopiazzato da quello francese, che aveva preso il posto del calendario cristiano.

(11) E’ un affettuoso e popolaresco motto dei lazzari per indicare Re Ferdinando.

Traduzione:

E’ venuto Fra Diavolo/ ha portato i cannoncini/ per ammazzare i giacobini/Ferdinando è ancora il Re/ Al suono della grancassa/ viva il popolo basso/ al suono dei tamburelli/ son risorti i poverelli/ al suono delle campane/ viva viva i popolani/ al suono dei violini/ morte ai giacobini/ Suona suona/ suona C’armagnola/ suona i consigli/ viva il Re con la famiglia/ Sant’Elmo, così forte/ è stato fatto come una ricotta/ a quel cornuto svergognato/ gli hanno messo la mitria in testa! Maestà, chi ti ha tradito?/ Chi ha avuto lo stomaco per fare questo?/ I. signori e i cvalieri/ ti volevano prigioniero- Il tredici giugno/ Sant’Antonio glorioso/ ai signori, a questi birbanti/ gli hanno fatto un mazzo cosi/ Son venuti i francesi/ altre tasse ci hanno messo/ Libertè Egalitè/ io rubo a te, tu rubi a me/I francesi sono arrivati/ ci hanno salassato per bene/ e voilà e voilà/ calci in culo alla libertà./ Dove è andata Donna Eleonora/ che ballava in teatro/ ora balla in mezzo alla piazza del Mercato/insieme con Mastro Donato/ Sul Ponte della Maddalena/ Donna Luisa è rimasta incinta/ e tre medici, cje fanno ?/ Non rioescono a farla partorire,/ Al Molo senza guerra/ abbattemmo 1 ‘Albero a terra/ afferrammo i giacobini/ e ne facemmo uno straccio/ Dove è andata Donna Eleonora?/ che ballava nel teatro?/ Adesso balla con i torsoli e le rape/ non può più ballare/ E’ finita l’Eguaglianza/ è finita la Libertà/ per voi sono dolori di pancia/ signori, andatevene a dormire!/ Passò il mese Piovoso/ il Ventoso e l ‘Odoroso/ Nel mese quando si miete/ gli abbiamo tirato l’aglio dietro/ Viva Papà Maccherone/ che rispetta la Religione/ giacobini, andate a mare/ che vi brucia il sedere!

fonte http://www.aclorien.it/archivioalternativa/song.php?id=761

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Le sinfonie di Mozart che forse non sono di Mozart: “Quella firma per oscurare l’italiano Luchesi”

Posted by on Ago 24, 2019

Le sinfonie di Mozart che forse non sono di Mozart: “Quella firma per oscurare l’italiano Luchesi”

Dalla Jupiter alla Parigi, le opere che potrebbero essere state composte da altri autori, ma attribuite al genio di Salisburgo. Lo studio di Luca Bianchini e Anna Trombetta: “Chi acquistava la musica ne deteneva i diritti, compreso quello d’attribuirla ad altri, vincolando al silenzio il vero autore”

La Jupiter, la Haffner, la Posthorn, la Parigi, la Praga. Sono tra le sinfonie di maggior successo di Wolfgang Amadeus Mozart. Ma che potrebbero non essere di Mozart. Almeno secondo due ricercatori italiani e studiosi della Wiener KlassikLuca Bianchini e Anna Trombetta che stanno per pubblicare il risultato delle loro ricerche ventennali, Mozart, la caduta degli dei, una biografia critica di Mozart che mette a fuoco “i punti contraddittori della sterminata bibliografia mozartiana: li verifichiamo e li analizziamo”. Su Mozart è stato scritto di tutto, le biografie si sprecano, ma come fa notare il ricercatore e musicologo Luca Bianchini “ciascun biografo ha provato a dipingerci una figura diversa del genio di Salisburgo, rendendo evidente – com’era nello spirito del Romanticismo e dei movimenti nazionalistici del Novecento – quanto di grande e di bello vi fosse contenuto”.

Il loro lavoro, così come La musica del sole del direttore d’orchestra e compositore Enzo Amato, emerge che le sinfonie e serenate di maggior successo di Mozart sarebbero attribuibili ad altri. La Jupiter (Sinfonia n. 41, K 551), la Haffner (Sinfonia n. 35, K 385), la Posthorn (Serenata n. 9, K 320), la Parigi (Sinfonia n. 31, K 297), la Praga (Sinfonia n. 38, K 504) e altre opere. Mozart, scrive Amato, “in soli 35 anni di vita, considerando che nei primi cinque anni la produzione è scarsissima, scrive circa settecento lavori. Una media di ventitré lavori all’anno, due al mese per trent’anni di seguito. Durante i suoi frequenti spostamenti Amadeus passava molti giorni in carrozza: non credo che con le strade sterrate dell’epoca fosse possibile scrivere musica senza errori per giunta”.A corroborare le tesi degli studiosi sono i manoscritti presenti nel fondo musicale della Biblioteca Estense di Modena, nella quale, spiegano Bianchini e Trombetta “ci sono le parti staccate della sinfonia Jupiter, che hanno attribuito a Wolfgang Amadeus Mozart, ma che lì sono anonime. Quelle dell’anonimo autore sono del 1784 o forse precedenti. La partitura di Mozart, stessa musica, è del 1788, quindi Mozart deve aver copiato da una partitura preesistente, che risale almeno al 1784”.

Affermazioni che faranno saltare sulla sedia gli amanti del talento

austriaco e potrebbero aprire orizzonti inediti nella storiografia musicale: “Occorre considerare – aggiungono Bianchini e Trombetta – che i problemi che il fondo di Modena solleva, non si limitano alla Jupiter. Ci sono in quell’archivio modenese altre sinfonie anonime attribuite poi a Mozart e molte anonime attribuite successivamente ad Haydn”, la qual cosa potrebbe essere spiegata solo prendendo in esame alcune delle costanti che regolavano la fruizione e la diffusione musicale ai tempi del cosiddetto classicismo viennese. “La musica poteva essere acquistata da ricchi, arbitrariamente sottratta al vero autore, attribuita ai direttori a servizio dei nobili di turno. Chi acquistava la musica ne deteneva i diritti, compreso quello d’attribuirla ad altri, vincolando al silenzio il vero autore, solennizzando l’accordo col notaio”.

A far supporre che le musiche in questione potessero essere, in mezzo ad altri, anche dell’italiano (veneto) Andrea Luchesi è, oltre a diversi altri indizi, una firma autografa di Mozart sotto la quale emerge quella autografa di Luchesi, come lo stesso compositore, che per circa un ventennio fu Kapellmeister della corte di Bonn ed ebbe tra i suoi allievi Ludwig Van Beethoven, andava firmandosi: “I frontespizi dei lavori di

Modena vennero strappati. Il nome di Luchesi compare nella partitura d’una sinfonia – trattasi della summenzionata ‘Parigi’ – conservata a Regensburg, che è significativamente anche nell’archivio di Modena, ma è stato cancellato da qualcuno, che vi ha sovrapposto la firma di Wolfgang Amadeus Mozart”. Ed è a proposito di questa sinfonia che tanto Amato quanto Bianchini e Trombetta riportano la vicenda secondo la quale Mozart, una volta giunto a Parigi (nel 1777, a 21 anni) fu  cacciato dalla città poi dal barone Melchiorre Von Grimm, dopo che quest’ultimo aveva scoperto che la sinfonia di Mozart era in realtà un falso. Una serie di circostanze e di studi che, se la storia e il tempo dovessero confermare, ridimensionerebbero il numero di composizioni di Mozart, senza di certo sfiorare la grandezza del genio.

Fabrizio Basciano

fonte https://www.ilfattoquotidiano.it/2016/04/03/le-sinfonie-di-mozart-che-forse-non-sono-di-mozart-quella-firma-per-oscurare-litaliano-luchesi/2579089/

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Misenum e le sue Storie.

Posted by on Ago 17, 2019

Misenum e le sue Storie.

Nei pressi della cisterna della Dragonara e del Sacello degli Augustali, seminascoste in proprietà private, si trovano le terme del Foro e le cosiddette terme di “Cudemo”. Queste ultime, databili al II sec. d. C., rappresentavano le terme pubbliche di Misenum; di assoluto interesse, poiché ben conservati, sono il calidarium, il passaggio interno di servizio e il praefurnium.
Nel Foro della città, oltre agli uffici pubblici, c’erano i templi e il teatro. Quest’ultimo è immaginabile in tutte le sue caratteristiche in un tratto del corridoio mediano (media cavea), dal quale si originavano diverse gallerie radiali, poi occluse con setti murari. 
Uno dei templi che caratterizzavano il Foro dell’antica città militare, il Sacello degli Augustali, visibile nei pressi della caratteristica seicentesca Chiesa di San Sosso, fu restituito alla luce nel 1967, dal prof. Alfonso De Franciscis. 
L’edificio sacro fu eretto in epoca augustea o al più tardi nei primi anni dell’età giulio-claudia, consacrandolo al culto degli imperatori divinizzati.
Sfortunatamente, come tante altre realtà monumentali diffuse lungo la costa flegrea, il Sacello risente degli effetti della subsidenza e si manifesta ricoperto da oltre un metro d’acqua. Nel cortile porticato e nei tre edifici posti sul lato corto di fondo, un tempo frequentati dalla sacerdotessa Cassia Victoria, moglie dell’augustale Lucio Lecanio Primitivo, uno stormo di oche starnazzanti oggi esercita gli stessi compiti degli antichi Curatores. 
Infatti…
La storia narra che nel 390 a.C. le oche starnazzanti del Campidoglio salvarono Roma da un attacco notturno portato dai Galli. Secoli dopo, Plinio il Vecchio, ricordando l’evento, scrisse: “…Il cane dorme, l’oca vigila”. 
Oggi le piccole vestali piumate di bianco, impacciate e simpaticamente caracollanti sulla terra emersa, ma agili e scattanti nell’acqua sorgiva, tutelano il sacro tempio dagli intrusi. 
LA VILLA DI LUCULLO
Lungo la costa e sulle balze del mitologico Monte Miseno sorsero – dalla fine del II a tutto il I secolo a.C. – imponenti e sontuose ville, come quelle del triunviro Marco Antonio e di Cornelia, figlia di Scipione Africano e madre dei Gracchi. Quest’ultima fu comprata prima da Caio Mario e da Lucullo successivamente, per la ragguardevole cifra d’oltre dieci milioni di sesterzi.
Lucio Licinio Lucullo fu console nel 74 e nel 63 ebbe un trionfo per i meriti acquisiti nella campagna d’Asia. Egli combatté a più riprese, dal 74 al 65 a.C., contro Mitridate, re del Ponto, ed importò a Roma il ciliegio coltivato (cerasus) già conosciuto in Grecia. Ricordato da Tacito per le sue immense ricchezze e per la fastosità dei suoi banchetti, finì la sua vita ritirandosi dalla vita politica e militare, vivendo nel lusso e nella raffinatezza delle sue meravigliose ville. Amante del bello, raccolse opere d’arte e creò ricche biblioteche; fu rappresentante e fautore della cultura e del fasto ellenico – orientale.
Lucullo fu anche uno dei primi a dotare le ville campane di piscinae per la coltivazione di diverse specie di pesci. Per meglio alimentare d’acqua marina le peschiere della sua villa napoletana, egli tagliò una montagna e aprì un canale che si congiungeva al mare. Dopo la sua morte, i pesci di quel vivaio furono venduti per 4.000.000 di sesterzi. In seguito alla scomparsa di Lucullo, i beni immobili di questo generale, ricordato dai posteri solo per il gusto e lo sfarzo che seppe dare alla sua esistenza, furono integratati nel demanio imperiale.
Nella villa di Miseno, dotata di un complesso impianto intricato e intrigante di peschiere e ninfei che si prolungavano in mare, vi trovò la morte, come ricorda Tacito, un potentissimo imperatore che amava vivere lontano dalla caotica capitale: Tiberio Claudio. 
“…(Tiberio) si fece trasportare da una residenza all’altra, e finalmente volle stabilirsi sul promontorio di Miseno, in una villa che un tempo appartenne a Lucio Lucullo”. 
Della villa, Fedro scrisse: “…Quae monte summo posita Luculli manu prospectat Siculum et prospicit Tuscum mare…” – “ Posta sull’alto del colle dalla mano di Lucullo, affacciata da un lato sulla Sicilia e dall’altro sul mare Tirreno”.
Tanto altro, purtroppo, è ben celato sia sotto le abitazioni moderne, inopinatamente edificate durante il boom economico degli anni ’60, sia nel mare della rada di Miseno.
“Tramonto su Misenum” – Foto realizzata dal mio amico Nick D’Orsowsky, detto Nicola D’Orso.

Ciro Amoroso

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Pompei : i misteri di una città sepolta

Posted by on Ago 16, 2019

Pompei : i misteri di una città sepolta

Per duecentocinquant’anni, tutti hanno ripetuto stupidamente che gli abitanti di Pompei stessero riparando i guasti del terremoto del 62, quando è capitata l’eruzione del Vesuvio. Li si è veramente presi per buoi ! Per undici anni, senza tregua, con ostinazione, l’archeologo Antonio Varone, facendo giravolte da una passarella in asse di legno, ha scavato nel cuore di un vasto edificio molto sciupato della via dell’Abbondanza, dove, lungo la viuzza adiacente, sono visibili tre fosse settiche. Avrebbero essi lasciato per diciassette anni queste fosse aperte ? Orbene, è così che il Varone le trovò, oltre vent’anni fa, piene di deiezioni ricoperte dalle pietre pomici dell’eruzione.
Perché ? Perché Pompei aveva subìto, alcuni giorni prima dell’eruzione, un nuovo terremoto e sono le tracce di quest’ultimo che i pompeiani si sforzavano di cancellare. Un’altra prova ? Vecchie fenditure colmate dalla calcina e già annerite lungo un camino.

Erotismo torrido
Questo sisma spiega forse perché non si sono ritrovati che duemila corpi in una città il cui anfiteatro contava quindicimila posti ed il teatro cinquemila : i più assennati erano già fuggiti all’alba del 24 agosto.
Dall’atrio alla stalla giacevano al suolo gli scheletri di cinque asini e di un cavallo, dinenticati dal loro padrone. Al momento del dramma, si era in corso di refezione nella sala da pranzo, il cosiddetto “triclinium”.
I pittori cominciavano ad affrescare dall’alto. La prova ? La parte inferiore del muro non è ancora imbiancata di vernice. Orbene, per gli affreschi non si pone la spalmata che al momento di dipingere.
Come era organizzato il lavoro ? In squadre, molto gerarchizzate apparentemente. Su una delle pareti divisorie, una grande superficie di vernice fresca è stata appena posta. Un apprendista si apprestava verosimilmente a passarvi il fondo nero. In compenso, il rettangolo vuoto nel mezzo del muro del fondo è ben più piccolo. E’ lì lo spazio riservato al maestro affinché dipinga il suo quadro.
Su questo muro quasi terminato vi sono dei piccoli motivi in rilievo. Vi erano dunque due altri impiegati, subalterni senza dubbio, incaricati di realizzare, al metro e a secco sugli affreschi, i motivi architettonici decorativi…
Il suolo del piano è ricoperto da tre metri di pietra pomice, brutalmente sbarrato da uno strato duro, di dieci centimetri di spessore. Le pietre pomici sono cadute dal mezzogiorno alle 8 della sera. Fin lì, erano morti solo gli schiavi ai ferri, il cane al guinzaglio, i cavalli dimenticati dal padrone. Però, alle 20, brutalmente, sono apparsi dei gas e delle ceneri incandescenti, della velocità di 80 chilometri orari. La maggior parte delle vittime sono state trovate in questo sottile strato. E’ lo strato della morte della città.
Seguono un nuovo strato di pietre pomici, più fine, poi una nuova nube di gas incandescenti e di fango proiettato lateralmente a grandissima velocità” : lo strato duro ch esso ha lasciato è pieno di mattoni, di tegole, di ferràglia. Resta un interrogativo: perché questo nome di “casa dei Casti Amanti” ? Abbiamo trovato scene di un erotismo così torrido nel guardaroba delle terme suburbane pompeiane che il quadro scoperto qui, che rappresenta un tenero bacio, ci è parso degno di essere salutato per la sua castità… anche se la signora in questione ha tutte le probabilità di essere una prostituta!
Villa dei Misteri : editi due libri su uno degli insiemi pittorici più importanti del mondo romano

Così va la vita scientifica che, ad alcuni mesi di intervallo, due grandi libri propongono due interpretazioni opposte di un monumento fra i più celebri della pittura antica e che ha già suscitato pubblicazioni in gran numero. Nella primavera del 1998, Paul Veyne prendendo largamente il contropiede delle interpretazioni anteriori, non voleva vedere in questo sontuoso afftresco, riservato agli appartamenti privati di una ricca donna di Pompei, che l’evocazione di un matrimonio, in cui i simboli del sacro non figuravano che per quanto essi impregnano tutta la vita degli uomini dell’Antichità. Dimostrazione stupenda e che strappava largamente la convinzione.
Gilles Sauron in “Il grande affresco della Villa dei Misteri a Pompei”, dopo la stupefacente interpretazione di Paul Veyne, procedendo ad una lettura più “classica” della suddetta villa, contesta questa interpretazione e sostiene, con non meno fulgore e talento, una lettura più tradizionale, ma anche più complessa, di questo affresco “concepito come un enigma”. Si sarebbero rappresentate “in parallelo tre storie, da una parte quella di Semele (a destra) e quella di Dioniso (a sinistra), e d’altra parte quella della sacerdotessa che rivive queste due storie in certi avvenimenti apparentemente, puramente umani della sua vita ma anche per la sua partecipazione alle iniziazioni femminili (come iniziata, poi come iniziante) e maschili (solo come iniziante), ai misteri dionisiaci, e la fusione in una sola narrazione pittorica di queste tre storie parallele forma tutta la materia di questa sontuosa illustrazione della storia di una donna che ha preteso di identificarsi con gli dei”. Interpretazione che si inscrive, dunque, nel drittofilo della maggior parte degli autori che l’hanno preceduta. Ciò non significa che Sauron non apporti niente di nuovo.Lo si misura tanto meglio in quanto si prende la pena di stendere un bilancio storiografico appassionante, che mostra la varietà infinita delle identificazioni del particolare quanto delle interpretazioni di insieme.
Gilles Sauron, grazie ad una serie di raffronti iconografici spesso decisivi, ne ricusa molti e rischiara molti dei simboli oscuri o mal compresi. E il suo apporto, su certi punti, pare difficilmente contestabile, come l’identificazione di Semele (non di Ariana) al fianco di Dioniso (idea ripresa da Boyancé), o la distinzione tra i sileni si Apollo e quelli di Dioniso. In linea di massima, la concatenazione della dimostrazione seduce e, con una felicità d’espressione mai colta in fallo, Gilles Sauron conduce il lettore ad aderire alle sue conclusioni. In altri termini, egli dà dell’interpretazione classica la spiegazione meglio argomentata, entrando nei particolari , senza mai perdervici, non lasciando niente nell’ombra, non trascurando né la forma di una acconciatura né il colore di un mantello. Un’erudizione senza incrinatura, la sua, ma costantemente dominata ed esposta con una limpidezza che rende la lettura scorrevole per tutti.

ESITAZIONI

E tuttavia, impeccabile che sia la dimostrazione, si esita ad abbandonare Veyne per Sauron. Perché ? Seducente senza alcun dubbio, la tesi di Sauron poggia però su un postulato espresso presto : l’affresco si situa nel contesto “delle pratiche iniziatiche dionisiache che ne formano l’essenziale dell’ispirazione”. Certo, nessuno pensa a negare la presenza di Dioniso e di elementi che si rapportano al suo culto o ai suoi miti (Semele, il ventilabro mistico), ma a formulare, per ipotesi, che ci si trovi di fronte ad una scena di misteri, il rischio era grande di finire per dimostrare che si tratta ben di misteri ! Ciò conduce Sauron, per esempio, a ritrovare la “Domina” in parecchi personaggi dell’affresco, a momenti diversi della sua vita di donna e di iniziata, e a supporre una composizione di una grande complessità, di cui l’accomandante avrebbe ordinato ogni particolare. Malgrado l’intelligenza della dimostrazione. si esita a sottoscrivere senza riserva tante sottigliezze.
Si accorderà volentieri a Sauron che questa decorazione “esprime sotto forme velate una verità ed una sola” ed occorre dunque rinunciare all’idea che ogni lettura sia legittima.
Certo, “se gli esegeti contemporanei si sono contraddetti, è perché essi sono vittime dell’ “offuscamento” concertato, che ha presieduto alla messa in forma del messaggio plastico che esso esprime”, ma, più ancora, l’esegesi ci fa misurare qui quale abisso ci separa da una civiltà che rivendichiamo come nostra, ma i cui aspetti essenziali ci restano tanto oscuri quanto i miti dei Papuasi o quelli degli Aruachi, dell’America Centromeridionale, poiché, piuttosto che di offuscamento concertato, è di perdita di senso che occorrerebbe parlare : questa cultura ci è divenuta largamente estranea poichè, benché ci abbia lungamente nutriti della sua lingua e dei suoi miti, essa obbedisce ad altri comportamenti di fronte al sacro, ad altri codici sociali e morali, che non possiamo provare a capire dall’esterno, come quelli dei Papuasi o degli Arauchi ! La comprensione delle opere non ci è più possibile senza un formidabile apparato didattico e dotto, senza una dimostrazione scientifica necessariamente sottomessa alla valutazione, poiché non possediamo più i referenti intellettuali e spirituali che ne permetterebbero il deciframento simultaneo. Resta il potere di seduzione di una plastica di una rara perfezione, che affascina ed emoziona, a dispetto delle nostre ignoranze.

Pompei licenziosa

La capra ha uno sguardo languoroso per il dio Pan, mezzo uomo, mezzo capro. Questa scultura, in marmo bianco, “lasciva, ma bella”, secondo uno storico d’arte di questo secolo, costituisce una delle opere di maggior rilievo della collezione “erotica” di Pompei presentata dal Museo archeologico di Napoli. Realizzata nel II secolo a. C., la statua proviene dalla città gemella di Herculanum, seppellita nella stessa eruzione del Vesuvio nell’anno 79 della nostra era.
Circa 250 pitture, sculture ed oggetti erotici furono assemblati dall’archeologa Marinella Lista con il sovrintendente Stefano De Caro nelle tre salette precedute da un vestibolo che i Borbone avevano pudicamente chiuso al pubblico, valente alla collezione il nome di “gabinetto segreto”.
Bisogna innanzitutto attraversare la casa del Fauno, che contiene i più bei mosaici colorati di Pompei, con i suoi affreschi nilotici popolati da innumerevoli animali africani (coccodrilli, ippopotami, ibis) e con l’immensa epopea della battaglia di Alessandro Magno contro Dario. Questi mosaici datanti al 120 a. C. furono resi al pubblico, dopo un restauro durato due anni.
Nell’anticamera, un mosaico in bianconero, di grande dimensione : rappresenta tre barche nelle quali si amano delle coppie di pigmei, mentre un asino tradisce il compagno. Un poco più lontano, Pan tenta di sedurre un giovane efebo. In una vetrina, una profusione di ex voto molto espliciti, a carattere divinatorio.
La prima sala presenta pitture che mostrano il mondo degli dei, quello di Venere e, standole di fronte, quello di Apollo. Le pitture sono graziose e delicate. Ciò non esclude le licenziosità, come quel fauno che stuzzica un ermafrodito sotto lo sguardo sconcertato di una bella Menade. La seconda sala è consacrata al giardino, o più esattamente ad una natura, in cui Ermes, il protettore dei campi, mette ordine ed organizzazione. Ecco i termini (delimitanti i terreni) dalle forme molto mascoline, dei fauni scatenati contro delle baccanti.
Ancora più esplicite, ed anche francamente salaci, le scene della terza sala, che rappresentano la vita domestica, il banchetto, la vita dei lupanari che abbondano a Pompei (trentacinque. di cui due grandi, per una popolazione di 12000 abitanti). Scene di piacere, scene educative. Scene di sbicchierata ancora accompagnate dagli strumenti del rito, lampade ad olio scolpite di giochi acrobatici erotici…Questi oggetti, graziosamente lavorati, sono destinati ad allontanare gli spiriti maligni.
In linea di massima, questi quadri e questi oggetti non erano destinati al pubblico, neanche ordinariamente mostrati alle spose. Essi erano conservati nei “cunicoli”, camere dei padroni di casa, dove erano rappresentati gli amori di Giove per Danae o per Ganimede. O ancora riservati ai lupanari. Ciò non vuol dire che le strade di Pompei erano pudibonde. Tutta la città rendeva omaggio alla virilità, simbolo di ricchezza e di fertilità. “Ic habitat felicitas”, proclama un’iscrizione, che era il solo mezzo di informazione e di pubblicità che si possedeva incisa su un sesso in tufo appeso al di sopra del forno di un panettiere. L’epigrafe vuol dire : “Qui abita la prosperità.”

Alfredo Saccoccio

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Venticinque anni fa moriva Massimo Troisi… un suo sketch per conoscere la differenza tra ragione e razionalismo

Posted by on Ago 16, 2019

Venticinque anni fa moriva Massimo Troisi… un suo sketch per conoscere la differenza tra ragione e razionalismo

Venticinque anni fa (4 giugno 1994) moriva ad appena 41 anni il famoso comico napoletano Massimo Troisi. C’è uno sketch del suo gruppo originario (La smorfia) che ha un valore filosofico importante. In un angusto basso napoletano vi è un uomo, Salvatore, impersonato da Massimo Troisi, che riceve la visita di un “esperto” sociologo impersonato da Lello Arena. Quest’ultimo si presenta con adeguati e spessi occhiali da “topo di biblioteca” e con altrettanto adeguato tic nervoso. Il sociologo ha la pretesa di dire al padrone del basso che egli non può conoscere davvero i problemi che attanagliano lui e il popolo napoletano, ma che tali problemi li possono conoscere solo coloro che studiano: “Voi credete di conoscere i vostri problemi… in realtà se non ci fossimo noi …”.

La comicità sta nello sguardo dell’uomo (Massimo Troisi) che osserva forte del suo buon senso quegli strani atteggiamenti del sociologo e soprattutto quella pretesa di sapere di più rispetto a chi vive la propria drammatica situazione. Al termine dello sketch, l’intellettuale comunica di aver da tempo scoperto la soluzione per risolvere i problemi della miseria di Napoli: il Vesuvio in realtà non conterrebbe ciò che contiene ogni vulcano, ma squisito purè di patate; perciò si tratterebbe di aprire il vulcano e distribuire tutto quel ben di Dio. Dinanzi alla sorpresa dell’anziana donna, il sociologo si arrabbia … invece di argomentare per ciò che non è per nulla plausibile: si arrabbia. Anzi è lui a meravigliarsi dell’incredulità di quella che ritiene una “sciocca” donna.

Si tratta di una comicità che riconduce lo spettatore a fare una riflessione importante: non bisogna confondere l’uso della ragione con il razionalismo. La pretesa di quel folle sociologo è proprio la pretesa del razionalismo e dell’intellettualismo che sono convinti di sapere di più rispetto a chi vive e a chi sperimenta.

Ragionare non vuol dire produrre un pensiero, ma prima di tutto aderire ad un dato, per poi conseguentemente, su e da questa osservazione, sviluppare un’operazione intellettiva. E’ l’adesione al fatto ciò che apre alla razionalità. C’è una famosa frase del celebre Alexis Carrel (1873-1944), premio Nobel e convertito dopo che fu testimone di uno strepitoso miracolo a Lourdes. La frase dice: “Molto ragionamento e poca osservazione conducono all’errore, molta osservazione e poco ragionamento conducono alla verità.”

Ovviamente, non si tratta di negare il valore del ragionamento quanto di vincolarlo all’osservazione, perché solo l’osservazione vincola al dato. Anzi, è l’osservazione che si apre allo stupore e alla meraviglia che vincola al dato, che riconosce ciò che è, che apre alla verità. Einstein (1879-1955) soleva dire ai suoi studenti:  “Non uccidete la meraviglia, perché è la meraviglia più che il dubbio la fonte della sapienza.” Viene da pensare a quella famosa canzone che dice: “…i bambini fanno oh … e i cretini fanno boh…”. L’intelligenza apre allo stupore, la stoltezza al dubbio.

Se dunque il ragionamento è l’esito della meraviglia, il razionalismo no. Il razionalismo è un’altra cosa. Il razionalismo è il partire dal pensiero per arrivare al pensiero, prescindendo totalmente dal dato. E’ l’errore che in un certo qual modo inizia con Cartesio, quando il filosofo francese pretende affermare che il punto di partenza della conoscenza non è il riconoscimento dell’essere ma il pensiero: cogito ergo sum. Perciò non sarebbe l’oggetto a garantire l’esistenza del soggetto, bensì il contrario, sarebbe il soggetto a garantire l’esistenza dell’oggetto. Il razionalismo è la negazione della ragione e conduce all’intellettualismo, che, a sua volta, è la negazione dell’intelligenza.

La posizione dello sguardo, il privilegio dell’osservazione, il partire dal vedere e dal constatare è non solo la posizione più ragionevole, ma anche quella più intelligente. La parola “intelligenza” viene dal latino intus-legit che significa “leggere dentro”. L’intelligenza, pertanto, implica non una conoscenza superficiale ma una conoscenza dentro la realtà. Appunto: la realtà! L’intelligenza ha bisogno della realtà, non ne può fare a meno. Se la realtà non esiste, non c’è modo di poter esercitare l’intelligenza, non c’è modo di essere intelligenti.

Siamo partiti evocando uno sketch di attori napoletani, rimaniamo nella stessa città e ricordiamo uno dei suoi figli più illustri, Giambattista Vico (1668-1744). La grandezza e la cattolicità di questo filosofo sta soprattutto nel suo aver saputo individuare l’errore strutturale del razionalismo illuministico, ovvero la pretesa di confondere la verità con la certezza razionale, cioè di confondere ciò che è vero con l’astratto procedimento di ordine intellettuale. Vico demolisce questo assunto e, basandosi sul dato del senso comune (dato fondamentale per qualsiasi indagine filosofica) afferma che il vero sta nel fatto. Al cogito ergo sum cartesiano, il filosofo napoletano sostituisce il suo verum est factum: è vero non ciò che la mente umana certifica, bensì ciò che è realmente tale.

La sapienza è esito dello sguardo, non del pensiero. La scoperta della verità è frutto di un incontro e di un riconoscimento, non di un procedimento intellettuale. L’intelletto certamente serve, ma serve a comprendere l’incontro, non a sostituirlo. La sapienza è frutto della meraviglia, di quella meraviglia, che, come ebbe a dire Thomas Carlyle (1795-1881), “…è la base dell’adorazione”. 

fonte http://itresentieri.it/venticinque-anni-fa-moriva-massimo-troisi-un-suo-sketch-per-capire-la-differenza-tra-ragione-e-razionalismo/

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Napoli Napoli: di lava, porcellana e musica. Dal 21 settembre la mostra a cura di Sylvain Bellenger

Posted by on Ago 15, 2019

Napoli Napoli: di lava, porcellana e musica. Dal 21 settembre la mostra a cura di Sylvain Bellenger

Tié! Sylvain Bellenger, il direttore del Museo e del Real Bosco di Capodimonte, sbatte Napoli in faccia al mondo intero. Pure a quelli che la mortificano … Tiè! E Bellenger fa rivivere, nel prossimo autunno, fino alla primavera del 2020, nella sua regale magnificenza, la Napoli che, per più di un secolo (1734 / 1860), fu la bella libera città Capitale del Regno del Sud Italia. “Vengo a Napoli come un missionario” aveva detto in un’intervista (gennaio 2016). La sua missione? Dare a una Napoli denigrata con Capodimonte marginalizzata, il suo dovuto posto nel mondo. “Napoli è stata una grande Capitale, questo lo si vede e lo si sente ancora; ma bisogna farlo capire” ha ripetuto più volte Bellenger. Che ora crea, nel museo di Capodimonte, uno straordinario evento, di cui è il curatore: “Napoli, Napoli di lava, porcellana e musica”, promossa dal Museo e Real Bosco di Capodimonte, in collaborazione con il Teatro San Carlo di Napoli, con la produzione e organizzazione della casa editrice Electa. Nelle diciotto magnifiche sale dell’appartamento reale della Reggia-Museo di Capodimonte, – dice il comunicato stampa – vi saranno 1000 oggetti preziosi, di cui 600 porcellane, 100 costumi che provengono dal teatro San Carlo e hanno la firma di costumisti famosi, animali tassidermizzati, antichi strumenti, raffinati arredi e tanto d’altro. È una mostra stratosferica, che non necessita di oggetti artistici, che pure vi sono, perché essa stessa è un’opera d’arte, giacché realizza, con i suoi mezzi figurativi e la musica della grande tradizione napoletana (Pergolesi, Cimarosa, Pacini, Paisiello, Leo, Iommelli), l’idea (eidos= immagine) che ha di Napoli il curatore. Che ci racconta, a mo’ di favola, una storia vera, la storia di una grande bellezza.

Dicono che Bellenger sia appassionatamente innamorato della città. È una passione un po’ folle ma non è un innamoramento recente. Lo testimonia Riccardo Muti che, a Chicago, volle conoscere il funzionario, che, in quel museo, aveva voluto un enorme presepio napoletano. E fu allora che il maestro Muti e il funzionario Bellenger divennero amici. Il napoletanissimo ingegnere IBM, poi scrittore e regista scomparso di recente, Luciano De Crescenzo, ha scritto: “Napoli, quella che dico io, non esiste come città ma esiste sicuramente come concetto, come aggettivo. E allora penso che Napoli è la città più napoli che conosco e che dovunque sono andato nel mondo ho visto che c’era bisogno di un po’ di napoli”.

Che è un concetto, si, forse una favola, ma non è un’opinione melensa frutto di un relativismo becero, perché ha la sua testimonianza concreta (non nei libri di quella storia che, come si sa, è scritta dai vincitori) nei fatti e nelle cose. E a settembre la Napoli Capitale ci verrà mostrata nella sua concretezza nella Reggia-Museo di Capodimonte, un edificio anch’esso testimone partecipe di quell’epoca. Ma perché questa città è considerata diversa dalle altre? Perché i turisti ancora oggi dicono che anche il popolo qui è diverso? Un libro dal titolo”Lo spazio a 4 dimensioni nell’arte napoletana. La scoperta di una prospettiva spazio-tempo”, scritto negli anni Ottanta del secolo scorso, presentato all’Electa Napoli nei primi mesi del 1989, ma pubblicato dalla Tullio Pironti Editore soltanto nel 2014, che ha avuto undici entusiasti convegni, a cui hanno partecipato eminenti professori universitari ma non ha avuto neanche un rigo sulla carta stampata, ne svela il segreto, che in poche righe qui tentiamo di rivelare.

Il testo fa una puntuale analisi della storia della città, considerandola nell’ambito europeo. E ricorda che Napoli è la città che ha la più antica ininterrotta continuità storica del mondo occidentale. Lo dimostrano anche i recenti studi del professore architetto Italo Ferraro sulla stratigrafia urbana, riuniti in ponderosi tomi. Mentre la persistenza qui del popolo napoletano, con il suo attaccamento alla propria terra (il fenomeno della sua emigrazione iniziò soltanto dopo il 1860) e la sua tendenza ad affollare il centro storico, risulta anche da recenti indagini sociologiche, come quella sui “bassi” napoletani e quella svolta brillantemente dal sociologo Marcello Anselmo, sul fondaco del Cavone. Napoli, afferma il testo, conserva, nelle sue pietre e nei suoi abitanti, il ricordo delle sue origini marinare. Un’origine che a noi mortali appare lontana nel tempo ma è ancora presente per la Storia, quella che vive nei millenni. Persistono, quindi, a Napoli, le antiche doti di un’antica civiltà marinara, il senso dell’ospitalità, della tolleranza, di un’affettuosa umanità non ancora inficiata dal freddo razionalismo, a cui contrappone una logica diversa, basata sulla consapevolezza profonda della precarietà della vita e su un’apertura mentale derivata dalla visione del libero spazio marino.

Una visione che, come un fil rouge, percorre fino a oggi (o fino a ieri?) tutta la storia napoletana e ne contagia la musica, i riti, la religione, l’arte e la filosofia, dal pitagorico Parmenide a Telesio, Bruno, Campanella, Vico. Una prospettiva del mondo che, nata nella Magna Grecia, contraddice la visione astratta ristretta nei binari di una intollerante e arrogante razionalità dell’attuale civiltà occidentale. Alla quale Napoli contrappone una logica duttile, che si adatta alle circostanze, suggerita da quell’ampia visione dello spazio marino, che è sempre in movimento, la quale fece dire ad Albert Einstein “le origini del nostro pensiero sono nella Magna Grecia”. È una visione prospettica che, nell’illuminato Settecento, si esprime configurandosi nella chiarezza logica di una geniale costruzione matematica nell’arte figurativa napoletana. Che ha un’ironica libertà nelle scene di genere di Gaspare Traversi e l’appagata gioia esistenziale nelle calme ampie curve delle vedute di Gabriele Ricciardelli.

Una prospettiva spazio-temporale che esprime nell’infinito concluso di una meravigliosa stella frattalica, (da cui si potrebbe ricavare un’applicazione informatica) una particolare, corale visione del mondo, che costituisce di Napoli la diversità.

Adriana Dragoni

fonte http://www.agenziaradicale.com/index.php/cultura-e-spettacoli/mostre/5909-napoli-napoli-di-lava-porcellana-e-musica-dal-21-settembre-la-mostra-a-cura-d

Museo e Real Bosco di Capodimonte Napoli, Napoli, Napoli di Lava, Porcellana e Musica © photo Luciano Romano 2019




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